Vinculación del Op Art en las manifestaciones artísticas y culturales:
- Primeras pinturas -
En este ejemplo de arriba, "The Madonna and child" (1250), presenta una columna central imposible, pues en la parte superior parece estar en la misma horizontal que las otras dos columnas mientras que en la parte inferior hay figuras en un plano intermedio entre la columna central y las de los extremos. En este cuadro de la derecha, "The magpig and the Gallows" (1568) de Peter Breughel, encontramos un arco imposible de madera.
Mucho antes de los siglos XIX y XX, podemos encontrar ejemplos de pinturas que podemos considerar ambiguas o imposibles. 
Otro ejemplo clásico son las llamadas "cárceles de Piranesi", oscuros dibujos realizados por el artista veneciano del s.XVIII Giovanni Battista Piranesi que él denominó "Carceri d´invenzioni". En estos dibujos aparecen elementos imposibles como en esta obra "Carceri, Plate XIV" (izquierda), en el que se llega al mismo punto mediante la línea vertical (sin desplazamiento horizontal) y mediante la combinacuón de las dos líneas oblicuas (con desplazamiento horizontal). 
Esta obra de 1754, "Falsa perspectiva", de William Hogarth (derecha) es justamente eso, una colección de "errores" de perspectiva con los que Hogarth quería mostrar a sus alumnos que se podían cometer al realizar dibujos de este tipo. Porque,¿quién da fuego al tipo de la montaña? ¿Qué se oculta entre los árboles un poco más abajo? ¿Cuál es la mejor caña de pescar? ¿Cabrá el pájaro en la iglesia? 
Utagawa Kuniyoshi, artista japonés del S.XIX, tuvo problemas políticos porque se consideró que sus trabajos tenían una carga sarcástica contra el gobierno. De hecho, coincidió con una época en la que estaban prohibidas las ropas o comidas lujosas, así como en el arte los colores brillantes o la aparición de personajes de la época como geishas. En varias de sus obras, como esta "Cabeza compuesta de mujer", rostros y manos de sus personajes están compuestos de pequeñas personas cuyas posturas permiten conformar los rasgos.
- Clásicos -
El "Trompe l´oeil" o trampantojo es una técnica pictórica que trata de engañar a la vista, en muchas ocasiones tratando de producir un falso efecto de profundidad.Esta técnica se usa desde hace siglos en pintura y podemos distinguir distintas formas de utilizarla:
A) Añadiendo algún elemento a la obra que le de un aspecto de ser real y ajeno al cuadro. Buenos ejemplos son la mosca que añadió a su cuadro de Santa Catalina el pintor del S.XV Carlo Crivelli (izquierda) o el pequeño cartel con aspecto de pergamino arrugado que aparece en la obra "Salvatore Mundi" de Antonelo da Messina (1465).
B) Tratando de simular cierto tipo de textura o relieve. Puede ser piedra gris (en ese caso se llama "grisaille") u otros materiales (entonces se denomina "camaieu"). Como ejemplo, a la derecha, "El Bautismo de Cristo", de Andrea del Sarto (S.XVI).
C) Simulación de objetos o composiciones como falsos fondos de chimenea o el famoso falso violin atribuido a Van der Vaart (arriba). Todo tipo de tableros de exposición de objetos como estos ejemplos de cuadros con falsos objetos de caza (Jacobo de Barbari, 1504) o cocina (Samuel van Hoogstraten, 1655). 
- El arte cinético -
El arte cinético engloba todas aquellas manifestaciones artísticas que están dotadas de movimiento. Entre estas podemos distinguir varios grupos:
1) Obras de dos o tres dimensiones que están dotadas de movimiento real.
3) Obras que no tienen movimiento real pero que, mediante algún efecto óptico, dan la sensación de tenerlo. Es lo que llamaríamos Op-Art.
El término cinético fue empleado por primera vez por Gabo y Pevsner en 1920 en su "Manifiesto realista". Gabo construyó su "Obra cinética", una varilla metálica movida por un motor que, al vibrar, forma una sencilla onda. Una década más tarde Laszlo Moholy-Nagy crea la "Máquina de luz" en la que utiliza la luz para crear un efecto escultórico y empieza a plantearse a un espectador no sólo pasivo sino que pueda participar en la obra. El arte cinético como tal quizá empieza con Alexander Calder quien construye móviles a partir del movimiento del aire.
Marcel Duchamp fue quién consiguió que con el movimiento de un objeto este pueda tener aspecto de algo diferente. Así con su "Rotative Plaque Verre" demostró que si giramos un disco pintado con círculos concéntricos este adquiere aspecto de objeto sólido.
Un efecto similar es el que ha perseguido en su obra Jesús Rafael Soto, que dijo estar interesado en "la transformación de los elementos, la desmaterialización de la materia sólida". Así, por ejemplo, coloca objetos detrás de un fondo de moiré de manera que, al moverse el espectador, apenas distingue sino puntos en el espacio. "A lo que aspiro -dice Soto- es a liberar a la materia hasta que se haga tan libre como la música". Y así, utilizando elementos sencillos consigue efectos sorprendentes.
Otros artistas han realizado obras más cercanas a la pintura si bien requieren del movimiento del espectador para alcanzar el efecto necesario. Es el caso de Agam y de algunas obras de Vasarely. También trabajan en esta línea Carlos Cruz Díez, cuyas fisicromías son pinturas que cambian de tonalidad según el ángulo en que las observemos, o Asís.
Citamos dos importantes exposiciones del género: en Abril de 1955 en la Galería "Denise René", la exposición "El movimiento" con artistas como Agam, Duchamp, Soto o Vasarely. Y en 1967, "Luz y movimiento" en el Museo de Arte Moderno de París, donde intervienen Agam, Le Parc o Vasarely entre otros. Esta última, la primera de arte cinético que se realiza en Francia en un museo, se pretende presentar tanto los orígenes del movimiento como trabajos de la época.
G. R. A. V. (Groupe de Recherche d´Art Visuel)
El "Groupe de Recherche d´Art Visue" (GRAV) nació en 1960 en París. Su objetivo es luchar contra el arte de minorías, encerrado en galerías de arte y con "figuras del arte" y buscar un arte en estrecho contacto con el público y con un artista más anónimo.Cada manifestación del grupo debía ser "una fiesta colectiva" y muestra de ello fue su jornada "Un día en la calle", el 19 de Abril de 1956 en París, por cuyos barrios fueron llevando todo tipo de artilugios (un taburete con muelle, un caleidoscopio gigante...) para que el público pudiera interaccionar con ello mientras una cámara de televisión filmaba el acontecimiento.
El GRAV se interesó, entre otras cosas, por la relación entre el ojo y el objeto, relación que consideraban base de su trabajo. Para ello utilizaron recursos relacionados con la visión y la percepción.A este grupo pertenecieron entre otros el español Sobrino, el argentino Le Parc o Yvaral. Yvaral es el seudónimo de Jean Pierre Vasarely (hijo de Victor Vasarely), que fue el diseñador del logotipo de Renault así como el de los Juegos Olímpicos de Atlanta.
- Arte español -
Podemos distinguir dos generaciones en el arte óptico y cinético en España, las dos muy cercanas en el tiempo, alrededor de la década de los sesenta.
En la primera destacan nombres como Eusebio Sempere, Francisco Sobrino o el Equipo 57. En la segunda movimientos como"Antes del Arte" y artistas como Jose María Yturralde.
El "Equipo 57" nació con vocación de desmitificar el concepto tradicional de arte y discutir la influencia que sobre este tiene el mercado. Entre muchas de sus inquietudes, siguieron con interés el desarrollo del arte cinético y se les puede considerar impulsores del arte óptico en España con algunas de sus obras relacionadas con el movimiento y la percepción del color.
En abril de 1968 nace el grupo MENTE (Muestra Española de Nuevas Tendencias Estéticas), que aglutina a diferentes artistas interesados en la relación del arte con las nuevas técnicas y ciencias. Entre los impulsores del movimiento estaba Jordi Pericot, que había llevado a cabo algunas experiencias cinéticas en París bajo la influencia del G.RA.V.. El Grupo reconocía la influencia de Euclides o Einstein pero también de artistas como Moholy-Nagy, Albers, Vasarely o Le Parc.
Por aquella época nace también el grupo "Antes del Arte".
Antes del Arte
"Mientras el arte viajaba en diligencia, la ciencia y la técnica viajaban en reactor" (Vicente Aguilera Cerni) En 1967 el crítico Vicente Aguilera Cerni impulsa en Valencia el grupo "Antes del Arte" con la participación de, entre otros, Eduardo Sempere, Francisco Sobrino, Jose María Yturralde, Eduardo Sanz o Jordi Teixidor. El grupo desarrolló un tipo de arte basado fundamentalmente en el arte óptico y cinético, pero su objetivo final era establecer nexos entre la ciencia y el arte. Para ello no dudaron en asistir a clases de óptica y geometría en la Universidad de Valencia
El grupo trata de establecer esta relación entre ciencia y arte no sólo en la teoría de las obras que crean sino en la forma de materializarlas. Ya en su primera exposición utilizaron elementos afines a las ilusiones ópticas (Figura de McKay, Cubo de Necker) y las figuras imposibles y se interesaron por el comportamiento de la percepción y la psicología de la Gestalt.
Algunos de los componentes de "Antes del Arte" participaron en el seminario "Generación Automática de Formas Plásticas" que tuvo lugar en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid. Este seminario pretendía aprovechar la capacidad de los ordenadores para generar obras de arte, lo que supondría la introducción en España del arte cibernético. Francisco Sobrino
Francisco Sobrino nació en Guadalajara en 1932. Tras unos primeros años en Madrid y Buenos Aires, se traslada a París, donde funda en 1960 junto a otros artistas como Le Parc o Yvaral el GRAV.
Sobrino es uno de nuestro artistas más internacionales, ya que, además de pertenecer al GRAV, participó con su obra en exposiciones de diferentes países, entre ellas la prestigiosa "The responsive eye" en Nueva York. En sus obras utiliza, como él mismo dice: "el movimiento visual y real, la transparencia, la reflexión, la multiplicación y la participación directa del espectador".