VICTOR VASARELY




"Nuestro tiempo, con la intrusión de las técnicas, con su velocidad, con sus nuevas ciencias,
sus teorías, sus descubrimientos, sus materiales novedosos, impone su ley sobre nosotros"



Victor Vasarely (Pecs, 1908 - París, 1997) es considerado el padre del Op Art. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Sus experimentos cinéticos, que transformaban la superficie plana en un mundo de infinitas posibilidades, potenciando el engaño perceptivo, marcaron una era en la historia del arte.


En los años 50’ introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio. Para él la noción de movimiento se relaciona con la ilusión del espacio; de la unión entre estos dos elementos nace la obra plástica. Vasarely sentía que todas las artes plásticas forman una unidad y que no hay necesidad de dividirlas en categorías fijas, tales como pintura, escultura, gráfica o incluso arquitectura.




Durante los años 60′ y 70′ sus imágenes ópticas se convirtieron en parte de la cultura popular. Fue además un teórico congruente, que prefería ser llamado artesano antes que artista, de hecho, su lema era “Arte para todos”. Por otra parte, consecuente con sus teorías, creía en la desaparición de la obra única, y abogaba al futuro una repetición industrial del mismo modelo.









 En este vídeo, te mostramos algunas de sus obras.



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BRIDGET RILEY



"Yo trabajo con la naturaleza,
aunque en términos totalmente nuevos".




Bridget Riley (Londres, 1931) es probablemente la más brillante de todos los artistas cinéticos que han trabajado en dos dimensiones. Ella rechaza la sugerencia de que sus pinturas no están destinadas a expresar o comunicar un sentimiento. Su obra está a menudo programada: las formas y su relación recíproca se ajustan a series matemáticas predeterminadas, pero se llega a las progresiones en forma instintiva.




Sus cuadros muestran la repetición de figuras geométricas elementales como: cuadrados, triángulos, círculos… a los cuales dota de movimientos, distorsiones y veladuras. Esto contribuye a la producción en serie que se estilaba en aquella época.






Riley trabajó anteriormente sólo en blanco y negro, no obstante acabó optando por los colores. Ha creado una serie de cuadros llenos de coloridos, que exploran la forma en la que se puede hacer que cada color se vuelque en otro por medios ópticos; o la manera en que la totalidad de la superficie del cuadro pueda trasladarse de lo cálido a lo frío, a través de la progresión de matices.





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JESUS RAFAEL SOTO





Rafael Soto (Venezuela, 1923-2005) es particularmente famoso por sus "penetrables", esculturas dentro de las cuales las personas pueden caminar e interactuar. Se ha dicho que el arte de Soto es inseparable del observador, sólo puede estar completo con la ilusión percibida por la mente como resultado de la observación.




Jesús Rafael Soto, influenciado por Cézanne, empezó a estudiar los vanguardistas, Mondrian y Malevitch y así fue como se interesó por la abstracción geométrica. En 1953 consigue separar la forma y el fondo en sus obras y se empieza a apreciar el arte cinético. Trabajó con materiales extra-pictóricos como plásticos, metal, alambres, motores, etc. Soto insistió mucho en el efecto Muaré, consideraba que siempre había estado en la naturaleza; y cuando observó como se producía en su obra, fue un descubrimiento para él.



Desde los años 70 hasta los 90 los trabajos de Soto son expuestos en lugares como el MOMA y Museo Guggenheim de Nueva York, Centro Georges Pompidou en París y la Bienal de Venecia y de São Paulo en 1996. Además, en estas décadas realizó distintas estructuras cinéticas integradas en la arquitectura.




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KENNETH NOLAND





Kenneth Noland (Asheville, 1924) es uno de los principales representantes de la nueva abstracción en Estados Unidos. Estudió la teoría de la Bauhaus y la sensibilidad del color, junto con Josef Albers. Es autor de cuadros de gran formato, con formas geométricas simples y colores planos y vibrantes, a los que con posterioridad ha incorporado grandes bandas de colores contrastados y el empleo de bastidores poligonales.




La mayoría de las pinturas de Noland forman parte de uno de los cuatro grupos: círculos, galones, rayas, y lienzos con forma. De hecho, fue en 1953 cuando se aprobó su técnica “soak-stain” que permite la pintura diluida para empapar en lienzos con forma.



Durante los años 1970 y 1980 sus lienzos con forma fueron muy irregulares y asimétricos. Esto y su preocupación por la relación de la imagen y el borde de ésta dieron lugar a estructuras cada vez más complejas de colores altamente sofisticados y controlados, y a la integridad de la superficie.





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JOSEF ALBERS



 
Josef Albers (Alemania, 1888 -Yale USA, 1976), consumado diseñador, fotógrafo, tipógrafo y poeta, Albers es principalmente recordado como pintor abstracto. Favoreció un acercamiento muy disciplinado a la composición y publicó varios libros y artículos sobre la teoría de la forma y el color, así como realizó diversas obras pictóricas en este sentido. Las más conocidas quizás sean sus rigurosas series Homenaje al cuadrado, que empezó en 1949, donde explora las interacciones cromáticas entre cuadrados de distintos colores organizados concéntricamente en el lienzo.


Albers experimentó con una gran cantidad de efectos de colores, formas, líneas y áreas entre sí, con la subjetividad de la percepción visual: Sólo las apariencias no engañan. Con sus dibujos sobre la base de las ilusiones ópticas fue junto a Victor Vasarely fundador del Op-art. En este contexto, sus series más famosas son parte deHomenaje al cuadrado, cuyas imágenes son siempre los mismos tres o cuatro cuadradosde diferentes colores organizados de forma concéntrica . Esto demuestra que un mismo color en función del entorno causa un efecto radicalmente distinto en el espectador. Por lo tanto, Albers es también uno de los representantes de Hard edge.




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LAWRENCE POONS







Lawrence Poons (Tokyo, 1937), más conocido como Larry Poons, se destapó dentro del movimiento del Op-Art a partir de la década de los 60' con pinturas basadas en círculos y óvalos, acompañados de tonos brillantes en su entorno. Estas pinturas transmiten una sensación de movimiento que hace que se puedan clasificar dentro de este movimiento.


A mediados de la década de los 60', Larry Poons empieza a alejarse de este movimiento para adentrarse en el mundo de la abstracción por definición. Su trabajo está asociado al Hard-edge painting, Color Field painting, la Abstracción lírica y el Expresionismo abstracto.
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FRANK STELLA

 




Frank Stella (Massachussets, 1936), pintor y grabador estadounidense. Es una figura destacada del minimalismo, la abstracción postpictórica y la litografía. Inició sus estudios artísticos en la Phillips Academy y en la Universidad de Princeton, viéndose influido por las obras de Noland, especialmente por sus «cuadros recortados» que estaban pintados con colores planos o bandas monocromas. Se dio a conocer con la exposición «Sixteen Americans», que organizó el MoMA en 1959. Al renunciar al expresionismo abstracto, Stella se convierte desde la década de 1960 en uno de los máximos representantes de la abstracción geométrica y constructivista que preludia el arte minimalista.


A partir de 1958, con sus black paintings («pinturas negras»), se convierte en uno de los máximos representantes de la llamada «nueva abstracción», antecedente directo del minimalismo. Fue uno de los creadores y promotores del hard edge («pintura de borde duro»), y del desarrollo de los shaped canvas (o lienzos de formas diferentes a la cuadrangular tradicional, conocida como «pintura de marco recortado»). Sus cuadros-objetos y sus pinturas-relieve han ocupado un papel fundamental en el desarrollo de la neovanguardia norteamericana e internacional.



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RICHARD ANUSZKIEWICZ





Richard Anuszkiewick (Pennsylvania, 1930) está considerado como uno de los artistas más fuertes del movimiento Op-Art. En su obra investiga la manera en la que ocurren cambios ópticos cuando colores diferentes de gran intensidad se aplican a configuraciones geométricas similares. Alumno de Josef Albers, comparte con su maestro la fascinación por las formas y sus relaciones con el color.


Cada una de sus obras tiene su propio ritmo y su propia energía como una parte de una composición lírica. Anuszkiewicz ha ganado numerosos premios y ha sido expuesto en diferentes museos de todo el mundo. Su obra está incluida en las colecciones de la Corcoran Gallery of Art en Washington, D.C., el Fogg Museum de la Harvard University en Cambridge, el Whitney Museum of American Art y el Museum of Modern Art de Nueva York.




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